やっぱりストーリーが大事？

『良い作品』とはなんでしょう？
魅力的に感じるキャラクターや世界観だったり、ストーリが面白い、音楽が好み、という点が挙げられると思います。
もちろん、「魅力的なキャラクター」と「面白いストーリ」は不可欠ですが、キャラクターがカワイイ/格好よくて、ストーリが面白ければ全てヨシ！という訳でもありません。

ストーリが突飛なものであれば、「気になる！」という気持ちは増すかも知れないけれど、それだけで「面白い！」という気持ちに結びつくとは限らない。
逆に、ありきたりなお話でも、ちょっと変わった視点から物事を語られると、すごく新鮮な感覚を味わえることがあります。お話が進むにつれ「こう来たか！」と思わせるような展開があったり、予想を裏切る結末にたどり着くならば、これはもう「面白い！」と感じる確率は大ですよね！

自分が見ている作品に、自分の実体験や知識と重ねられる部分があったりすると、さらに共感度がアップすることもありまよね。

そうです。
面白い作品を作るためには、「演出」がとても大事なのです。お話しをどう語るのか、観客がどう理解してどう感じるのかを考えながら、どういう切り口で展開を見せるのかなどしっかり考えていく必要があります。

面白いストーリーと切り口以外に何が必要なのか？

それでは「ストーリーをどう語るのか」以外には何が必要なのか。

ストーリが意図した通りに伝わるためには、「絵としてどうしてみせていくか」を考える必要があります。
キャラクターと世界観のデザインも大事ですが、「こういう作品を目指そう」という作品全体のイメージを捉えることがとても大切です。この「作品全体のイメージ」を念頭に置いて、ストーリ展開と共に出てくるキャラクターや場面が適格に且つ魅力的に映るように「どういう風に見せていくのか」という絵としての演出も必要なのです。

「お話しをどういう風に語るのか」と「絵をどう見せるのか」という方向性が決まったならば、「どの方法で作っていくのか」かを取捨選択していくのが大事なポイントになります。
こういうお話とこういう世界観を見せたいので、どの手法で、どのワークフロー（制作の工程）で、どのツールを使うのかを考え、作り方を決めていきます。それにどんな人材が必要なのかも考えます。全体の予算とスケジュールは制作手法やワークフローの選択に大きく影響しますが、まずは作品の方向性に見合ったものを選ぶのことが大事でだったりするんですよね。

ということで、「なにをどう見せるのか」「どういうイメージの作品を目指すのか」「どうやって作るのか」などが全て「面白い作品」に繋がる鍵となるのです。

商業用と個人制作による分類

アニメーション作品は、大まかに言えば、「商業用のアニメーション」と「個人作家」の作品のふたつに分けられます。
商業アニメーションは、皆さんがよく目にするテレビシリーズ、劇場作品やオンデマンド配信の作品の多くを含みます。
もう片方は、個人（あるいは少数のグループ）が制作し、商業化をあまり意図しておらず、表現の一環としてアニメーションを用いている作品を含みます。制作手法やワークフロー（制作の工程）も商業のアニメーションより自由で、簡単に言えば、芸術性の高い作品のことを差します。
いずれにしても、見る側を魅了してしまうほどの「フォース的な何か」があるわけなんですが、どうしてそこまで「面白い！」と思ったり「もう一度見たい！」と思わせることができるんでしょうか。そんな作品がどうやって作られるのかを知りたいですよね？
この記事では基本的には、制作手法と工程がある程度定まっている商業用のアニメーション制作にフォーカスを当てていきます。

作画とCGの割合による種類分け

商業用のアニメーションにフォーカスを当てていることを前提にお話ししますが、作品のテイストや絵柄の方向性を決める段階で、手描きの手法がメインの作品なのか、CGなどのデジタルツールを最大限に駆使したいのか、手描きとデジタルをどの割合でコンビネーションするのかなどを考えていきます。それによって、どの制作のワークフローを辿っていくのかが変わってきます。
この観点から、作画とCGの割合でアニメーションの作品を３つに分類することができます。

ユーザー事例
『映画ドラえもん のび太の新恐竜』前編　図鑑イラストのような生き生きとした恐竜をMayaで表現

もちろんこれ以外の分類の仕方もありますし、他の手法を取り入れた作品もありますが、日本で一般的に制作されている多くの作品はこの分類に当てはめることができます。

では次に、アニメーション制作のワークフローとはどんなものなのかを見ていきましょう。その制作に使用されている一部のツールも併せて紹介していきたいと思います。